その姿は、モナリザの絵だけを残して、それ以外の全ての絵を焼却処分してしまったような世界に生きているようだ。

自分で使える・楽しめる以上の数を求めるのは、どこかで飛躍がないとできないことだ。
「使える」と「楽しめる」とでは、その範囲に差があるかもしれない。
ちょっと楽しむだけならば、使いこなすよりは、対象を広げることができるだろう。

その飛躍があることによって、多くの人に役立つことはあるから、飛躍は意味がある。

保存のネットワークであって、誰かがネットワークの中で所有しているのだから、どこかにあるのであり、自分が所有しなければ、何ともならないものでもない。

この感覚は、取得を焦ることなく、じっくり検討することにつながる。

流通価格は、人間国宝の作品でない限り、ほとんど捨て値しか付かない。

しかし、職人の技の違いは、価格の差ほどではないだろう。

自分なりに納得して、味わい、使い込んでいけば、そのことに価値があると思う。

考えるべき点は次のとおり。

何を選ぶか？
自分の好みで選べば良いとする考え方があるが、他の人の評価も考え合わせる方が合理的だと思う。

第３者から、作品を、無償ないし低額で、譲り受けることは、間々あると思う。
 第３者としては、作品を大事に扱ってもらえれば、それが何よりと考える人も多い。

 こうした場合は、素直に作品を持って、飾り、味わうべきだと思う。
  保管場所を必要とするが、何でも売り払うという感覚では、自分が広がらず、人生を楽しめないのではないかと思う。
 特に、親が持っていた作品は、親の気持ちをよく考えてみるべきだと思う。


いつまで所有し続けるか？
作品管理のスペース・費用を考えると、取得している範囲を限定することは合理的だ。

所持して楽しんだら、手放してもいい作品はあると思う。
 時の経過で、感覚は変化していくものだ。

幸せという観点から作品を見ていくのは、普段そうしていなかったので、新鮮であった。
普段は、作者の意図とか格闘の姿を探していたように思う。

江戸四季風俗図巻（無款 菱川派）は、四季折々の人々の姿が、誇張することなく書かれているだけだが、その姿を見ると自分と近いものを感じ、幸せというものを改めて考えることになった。

琴棋書画図（曾我蕭白）は、俗塵を離れた自然に遊び、4つの風流事を嗜む理想の高士像を描いたものということだが、これも、何か特別なことをしなければ、そこに行き着けないというものではないことを示していると思う。

幸せに安住することを良しとは思わないが、普通の姿でも良いとすることは、よく考えてみるべきだと思う。

エミール・ビュールレ（1890-1956）が取得した作品の4分の3は、晩年の6年間（1951-1956）にコレクションに加わったものである（至上の印象派展2018の図録20-21頁）。

この時期のビュールレのコレクション対象は、既にある程度の評価を得ていた作品である。
作品選択が保守的とされている（図録24-25）。

ビュールレが、20世紀初頭の美術に手を広げたときも、パリで創造された芸術に限定している（図録26-27）。
また、第2次世界大戦後、急速に拡大していった抽象絵画に対しては、距離を置いていた（図録28-29）。

コレクションのあり方として参考になる。

ある地域をある程度調べて旅しても、意外なことは出てくる。
旅したところで何か資料や物品を買うと、そこからまた意外なことが出てくる。

あいちトリエンナーレで多くの映像プログラムを見たが、分からない映像の方が多く、理解したという感覚は得られなかった。しかし、知らない地域を旅しているのだと考えれば、すべてを理解できないのは当然のことであり、気にすることではないと思う。

あいちトリエンナーレのパフォーミング・アーツでも、同じことは感ずる。

視覚だけでなく、聴覚などそれ以外の分野でも、知らない地域を旅する感覚は必要だろう。

文章だとそれが理解できて当然（理解できないのは、文章が悪い）と考えてきたが、ここでも知らない地域を旅する感覚は必要だろう。

　ジョン・アンド・キミコ・パワーズ夫妻のコレクッションを見てきた。1960年代以降の作品とのこと。
　多くのアメリカの巨匠の作品を通覧できたが、素人のぱっと見の感想としては、アンディ・ウォーホルが、色彩として、引かれた。
　ウォーホルは、芸術家は、HERO（ヒーロー）ではなく、ZERO（ゼロ）だと言っており、芸術家の主観性を否定し、何でも写し込む、鏡のような芸術を肯定しているのだろうと、とらえている。
　これまで作品を、具象と抽象の軸において、比べていたが、HERO（ヒーロー）かZERO（ゼロ）かという軸もありうると考えを改めている。
　ウォーホルは、カタログ・レゾネの印刷で見るよりも、実際の作品の方が、はるかに美しいと思う。

　白隠の画業は、まったくの独学であり、研究者が「若描き」と呼ぶものが６０歳代の作であり、画業のピークが８０歳を超えてからであり、現存作品が１万点を超すのではないかと推測されるとのことである。しかるに、美術史としては、取り上げられてこなかったという。
　白隠展を見て、白隠の生涯を考えると、感銘を受けた。１つだけの作品でも分かるのかもしれないが、通しで見ることは必要だと感じた。
　また、絵とともにある「賛」（文字による記述）は、理解を助け、また、考えさせる。絵画作品が主だという考え方もあるだろうが、総合して理解すれば良いと思う。
　美術作品は、それぞれが独立したものであり、１つだけの作品でも判断できるという考え方があるだろうが、私は、作家の人となりを観ることへと向かうことになる。（このあたりは、専門的な議論があるところだろうと思うが、詳しくはない。）
　白隠が、美術史としては、取り上げられてこなかったのは、作家の人となりに対して眼が向かわなかったからだろう。しかし、白隠は、宗教家としては、その人となりに対して大きな共感があるようなので、大きな評価を受け、親しみも込められているようだ。美術を、美術としてだけ切り取ることには、注意を要すると思う。