現在のアートが直面している問題点は、次の点に原因がある。
　芸術大学での教育が、お客さん志向でないこと。
　美術館での収集展示も、お客さん志向でないこと。
「売り絵を描いてはいけない」という昔からの言い伝えが影響しているのか、芸術大学も美術館もお客さんに向いた考え方をとっていない。
その結果、多数の美術作品が蓄積されているというのに、ほとんど利用されていない状況になっている。
　アートは、多くの人にとってあまり意味がない状況となっている。
　そもそも多くの人を対象にする必要はないかもしれないが。
結論として、美術作品というのは、その人がどのような関係にあるかにかかってくるように思われる。
　具体的には、その人の親族が描いたものであったり、その人が所有していたりという関係があることで、初めてアート作品はその人の意識に上がってくるように思われる。

　日本では、｢お人形のようだ｣という言葉は、かわいいという意味で使われる。ところが、欧米の人形は、顔は月並みで無表情、服装も普段着というものが多い。このような指摘は、新聞でもなされたことがあり、気がつく人も多いだろう。
　この点に関して、欧米では、人形は、共に泣き、喜ぶ、自分の分身であり、そのために人形の顔は、時には笑って見え、時には泣いて見える無表情がよく、服も普段着が良い。これに対して、日本では、願望を自分に代わって実現してくれる憧れの対象であり、そのために人形の顔は、笑みをたたえ、足が長く、お出かけ着となる。
　このような違いから、子供の教育への影響を考える展開がなされるが、ここでは取り上げない。
　私は、日本と欧米の違いとして固定化する必要はないと思うが、この２つの見方は、アートに対するとらえ方の違いとして表われているように思う。
　アートは、｢絵になる｣風景・対象を、技量をあますところなく示して、美しくとらえることなのか、何らかの追体験を通じて自分・他人・環境に気付くことなのか、という問題意識である。どちらが優れているうんぬんを議論するためではなく、割り切ると２つの見方ができるということである。
　現代美術は、この観点から考えてみても良いと思う。

Ａ　カオス状態からのスタート
Ｂ　歴史の底流となるもの
Ｃ　人生の段階（オディロン・ルドン展　神秘の創造を参考として）
Ｄ　戦略
Ｅ　画家が社会に出るとき